1、解毕加索说到毕加索，何理大家都很熟了.... 最近有人把毕加索年轻时和年老时的解毕加索自画像拿出来对比了下... 顿时发现，这差距也太大....年之前的何理毕加索还算是在童年时期，在跟着父亲学画画。解毕加索到了年代算是何理学院现实主义时期，又受到象征主义的解毕加索影响，以写实画风为主。何理许多风景画都是解毕加索绿、紫色调，何理比较柔和。解毕加索年，何理岁的解毕加索自画像。有批评家认为，何理-是毕加索的现代主义时期，但仍以写实风为主。年月，毕加索在朋友们的帮助下举办了次展览，反应平平。观众少，卖出去的画少，评价也很平淡。于是，毕加索更加向往世界艺术中心的巴黎，希望能进步学习现代主义。月，刚满岁的毕加索就登上了前往巴黎的火车。在动身之前，毕加索为自己画了幅自画像，眼中都是坚定和桀骜。-年，蓝色时期。巴黎的切都对毕加索是那么的新鲜，不到数月，他就逛遍了巴黎的美术馆。印象主义大师们的画作让他流连忘返，但现实生活中的贫穷却像阴霾笼罩在画家身边，挥之不去。他只能在自己的陋室作画，和好友在寒冷的冬夜光顾消费极其低廉的咖啡馆。后来搬去和好友同住，两个人只有张床，只好轮流睡觉。冬天没钱取暖，就只能烧画抵御寒冷……当时，对于毕加索来说，是人生的低潮，“艺术是哀愁与历史的产物”。所以，这段时期的画都是忧郁、悲伤的蓝色调，自画像也不例外。岁，年，《蓝色自画像》接下来，毕加索的风格进入了玫瑰时期，-。因为，他恋爱了。费尔南德是毕加索的第任正式情人，人同居后，他给她画过几幅画像，两人在热恋中真是如胶似漆。毕加索的画风也慢慢的变成了暖暖的土黄色和淡粉色。终于，这个时期的画也有了赏识的人，甚至出现了画室被买空的情况，境遇终于变好了。岁，年如果说，以上都还是凡人能看明白的阶段的话，接下来。。立体主义时期 -世纪到世纪的过渡期，欧洲的思想尤为动荡，艺术家们也希望在艺术上找到出路，用自己的方法改变现状，有所作为。艺术诞生了不同的新画派，如年的野兽派，而塞尚就率先提出了改革印象派的建议。这幅自画像，显然是古典画像的变形版，眼睛鼻子还是清楚的，但已经有了粗犷野性的立体主义苗头。。岁，年古典时期 -战后的毕加索，回归了新古典主义时期。既写实，又带有抽象风。岁，年蜕变时期 -这时的毕加索经历了愤怒的超现实主义时期，又受战和西班牙内战影响，创造出了许多惊世作品，多以战争的残酷为主题，《格尔尼卡》就是这个时期的代表作之。岁，年田园时期 -这时的风格仍是立体主义、超现实主义相结合的抽象画。粗犷的线条、夸张的几何图形，更加奔放自由。这段时期的毕加索艳福也不浅，跟相差多岁的学生再次找回恋爱的感觉，还娶了个模特成为第任妻子。。岁，年岁，年岁，年这段时间，毕加索的创作量也是惊人... 光在年，就画了幅自画像，当时毕加索已经岁了。这幅创作于他去世的个月前，被称为《最后的自画像》。惶恐的双眼、紧闭的双唇、尤为凸出的颧骨，给人的感觉是惊恐、不安。拍卖出了约万美元。。。最后还有这两幅画，可怕到变形。。。毕加索于年逝世，终年岁。大师生经历过两次世界大战，创作出无数作品，素描、油画都在行。光看自画像，能画出这么多风格迥异的，也是厉害了。。ref:-------------------您的徐总：他后来是不是散光了，看东西重影坑ww神：开始在画脸，后面在画心绵卷卷：讲真，我不是很懂欣赏艺术家们的画……所以可能我才直是个俗人吧沈会撩：越来越让人看不懂的毕加索，可能岁后的他已经超脱自我，各种方面和我们都不太样了梨园西池水：越难看的越贵，所以啊，要珍惜长得难看的人片雪宝的叶子：当初老师开玩笑布个作业让把格尔尼卡具象化，我当真了，当晚在家画哭了抱着你好吗：这题弃权-------------------
1、关于毕加索亲笔签名，毕加索签字笔这个很多人还不知道，今天菲菲来为大家解答以上的问题，现在让我们起来看看吧！毕加索【PICASS】品名：绅士系列·纯黑金夹宝珠笔宝珠笔，也称为签字笔、水笔。使用毕加索正品宝珠笔笔芯，笔芯性质为水性。品牌说明：为了纪念毕加索的父亲而特制。毕加索的父亲是影响他生绘画的人，他年轻时是马拉加圣台尔摩艺术学校的老师，英俊潇洒，幽默风趣，被年轻女子喻为“英国绅士”。这系列造型简洁大方，做工精细，泛着绅士的气息。适合成功男士使用，是赠送长辈，老师，领导的理想佳品。本文到此分享完毕，希望对大家有所帮助。
1、毕加索车身尺寸有多大 毕加索车身尺寸有多大毕加索的长宽高分别为 mm、 mm和 mm，该车轴距为 mm，是毕加索雪铁龙旗下的mpv车型。这辆车的设计相当独特。毕加索在路上很少见。毕加索使用了两台发动机，台是升自然吸气发动机，另台是升自然吸气发动机。升自然吸气发动机的最大扭矩为马力和牛米。这台发动机的最大功率转速为转/分，最大扭矩转速为转/分。这台发动机配备多点喷射技术，采用铝合金缸盖和缸体。匹配这台发动机的是速手动变速箱或at变速箱。升自然吸气发动机的最大扭矩为马力和牛米。这台发动机的最大功率转速为转/分，最大扭矩转速为转/分。该发动机采用多点喷射技术，采用铝合金缸盖和铸铁缸体。虽然铸铁气缸的重量比较大，但是铸铁气缸可以承受更高的温度和压力，所以铸铁气缸的可靠性和耐用性更好。与这台发动机匹配的是台速手动变速箱。毕加索的前悬架采用麦弗逊式独立悬架，后悬架采用纵向摆臂式独立悬架。毕加索轴距有多长 毕加索轴距有多长毕加索的轴距为 mm，这款车的长宽高分别为 mm、 mm和 mm。毕加索是个mpv模型。这款车的内饰空比较大，视觉也比较通透。对于大多数消费者来说，毕加索的车可能并不熟悉，因为在街上不容易看到。毕加索的设计非常独特。从远处看，这辆车像个汉堡包。喜欢这辆车的人很喜欢，不喜欢的人很讨厌。毕加索使用了两台发动机，台是升自然吸气发动机，另台是升自然吸气发动机。升自然吸气发动机最大功率kw，最大扭矩 Nm，最大功率转速, rpm，最大扭矩转速, rpm。该发动机采用多点喷射技术，采用铝合金缸盖和铸铁缸体。与这台发动机匹配的是台速手动变速箱。升自然吸气发动机最大功率kw，最大扭矩 Nm，最大功率转速, rpm，最大扭矩转速, rpm。这台发动机配备多点喷射技术，采用铝合金缸盖和缸体。匹配这台发动机的是速手动变速箱或at变速箱。
代表作：《第次圣餐式》、《嘉列特磨坊》、《喝苦艾酒的女人》、《穿衬衣的女子》、《藤椅上的静物》、《吉他》、《格尔尼卡》。以上就是【毕加索的作品】相关内容。
雪铁龙CPicassoMPV是PSA集团的款微型MPV。有组合式大嘴、多边形式大灯、和青黄色的车漆。本文关于c毕加索的基本详情介绍就讲解完毕，希望对大家有所帮助。
毕加索作品毕加索(Pablo Picasso，—，是世纪西方最具影响力的艺术家之。他生留下了数量惊人的作品，风格丰富多变，充满非凡的创造性。毕加索生于西班牙的马拉加，后来长期定居法国。他的父亲是位艺术教师。他自幼喜爱艺术，岁时以优异成绩进入巴塞罗那美术学校，后来转入马德里圣费尔南多美术学院。他于年来到法国巴黎，开始以极大的同情心描绘穷人的生活。此时，他的作品充满悲剧性。瘦削的形象和冷灰的蓝色调，使他的画上充满孤独和绝望、灾难与不幸的感觉。人们把这时期称为其创作的“蓝色时期”—年)。—年是毕加索创作生涯的“粉红色时期”。他这时期的作品以描绘马戏团人物为主，形象虽然忧郁，却并不孤寂。年毕加索受到非洲原始雕刻和塞尚绘画影响，而转向种新画风的探索。于是，他画出了那幅具有里程碑意义的著名杰作——《亚维农的少女》。《亚维农的少女》这幅不可思议的巨幅油画，不仅标志着毕加索个人艺术历程中的重大转折，而且也是西方现代艺术史上的次革命性突破，它引发了立体主义运动的诞生。《亚维农的少女》始作于年，至年完成，其间曾多次修改。画中个裸女和组静物，组成了富于形式意味的构图。这幅画的标题是由毕加索的朋友安德鲁·塞尔曼所加，据说毕加索本人对之并不喜欢。但不管怎样，这只不过是作品名称罢了。在现代艺术中，标题与作品的相关性越来越小，画家们常常有意识地不以标题来说明作品的内容。毕加索这幅《亚维农的少女》，想必亦是如此。该画原先的构思，是以性病的讽喻为题，取名《罪恶的报酬》，这在最初的草图上目了然；草图上有男子手捧骷髅，让人联想到句西班牙古老的道德箴言：“凡事皆是虚空”。然而在此画正式的创作过程中，这些轶事的或寓意的细节，都被画家去除了。其最终的震撼力，并不是来自任何文学性的描述，而是来自它那绘画性语言的感人力量。这幅画，可谓第件立体主义的作品。画面左边的个裸女形象，显然是古典型人体的生硬变形；而右边两个裸女那粗野、异常的面容及体态，则充满了原始艺术的野性特质。野兽派画家发现了非洲及大洋洲雕刻的原始魅力，并将它们介绍给毕加索。然而用原始艺术来摧毁古典审美的，是毕加索，而不是野兽派画家。在这幅画上，不仅是比例，就连人体有机的完整性和延续性，都遭到了否定。因而这幅画(正如位评论家所述)，“恰似地打碎了的玻璃”。在这里，毕加索破坏了许多东西，可是，在这破坏的过程中他又获得了什么呢?当我们从第眼见到此画的震惊中恢复过来，便开始发现，那种破坏却是相当地井井有条：所有的东西，无论是形象还是背景，都被分解为带角的几何块面。我们注意到，这些碎块并不是扁平的，它们由于被衬上阴影而具有了某种度空间的感觉。我们并不总能确定它们是凹进去还是凸出来；它们看起来有的象实体的块面，有的则象是透明体的碎片。这些非同寻常的块面，使画面具有了某种完整性与连续性。从这幅画上，可看出种在维平面上表现维空间的新手法，这种手法早在塞尚的画中就已采用了。我们看见，画面中央的两个形象脸部呈正面，但其鼻子却画成了侧面；左边形象侧面的头部，眼睛却是正面的。不同角度的视象被结合在同个形象上。这种所谓“同时性视象”的语言，被更加明显地用在了画面右边那个蹲着的形象上。这个呈分之背面的形象，由于受到分解与拼接的处理，而脱离了脊柱的中轴。它的腿和臂均被拉长，暗示着向深处的延伸；而那头部也被拧了过来，直楞楞地对着观者。毕加索似乎是围着形象绕了度之后，才将诸角度的视象综合为这形象的。这种画法，彻底打破了自意大利文艺复兴之始的百年来透视法则对画家的限制。毕加索力求使画面保持平面的效果。虽然画上的诸多块面皆具有凹凸感，但它们并不凹得很深或凸很高。画面显示的空间其实非常浅，以致该画看起来好象表现的是个浮雕的图像。画家有意地消除人物与背景间的距离，力图使画面的所有部分都在同个面上显示。假如我们对右边背景的那些蓝色块面稍加注意，便可发现画家的匠心独具。蓝色，通常在视觉上具有后退的效果。毕加索为了消除这种效果，便将这些蓝色块勾上耀眼的白边，于是，它们看上去就拼命地向前凸现了。实际上，《亚维农的少女》是个独立的绘画结构，它并不关照外在的世界。它所关照的，是它自身的形、色构成的世界。它脱胎于塞尚那些描绘浴女的纪念碑式作品。它以某种不同于自然秩序的秩序，组建了个纯绘画性的结构。《卡思维勒像》《卡思维勒像》，毕加索作，年，油画，×厘米，芝加哥，芝加哥艺术中心藏。毕加索—年“分析立体主义”时期的绘画，进步显示了对于客观再现的忽视。这时期他笔下的物象，无论是静物、风景还是人物，都被彻底分解了，使观者对其不甚了了。虽然每幅画都有标题，但人们很难从中找到与标题有关的物象。那些被分解了的形体与背景相互交融，使整个画面布满以各种垂直、倾斜及水平的线所交织而成的形态各异的块面。在这种复杂的网络结构中，形象只是慢慢地浮现，可即刻间便又消解在纷繁的块面中。色彩的作用在这里已被降到最低程度。画上似乎仅有些单调的黑、白、灰及棕色。实际上，画家所要表现的只是线与线、形与形所组成的结构，以及由这种结构所发射出的张力。这幅《卡思维勒像》，清楚显示了毕加索是怎样将这种分析立体主义的绘画语言，用于某个具体人物形象的塑造的。令人费解的是，恰是在这种分解形象和舍弃色彩的极端抽象变形的描绘中，毕加索始终不肯放弃对于模特儿的参照。为了画这幅画，他让他的这位老朋友卡思维勒先生耐着性子摆好姿势，在他的面前端坐了有次。他不厌其烦地细心分解形体，从而获得种似乎由层层交迭的透明色块所形成的画面结构。画中色彩仅有蓝色、赭色及灰紫色。色彩在这里只充当次要的角色。虽然在线条与块面的交错中，卡恩维勒先生形象的轮廊还能隐约显现，然而人们却难以判断其与真人的相似性。研究毕加索的最著名的专家罗兰·彭罗斯，在看了这幅画后，曾作过这样的评述：“每分出个面来，就导致邻近部分又分出个平面，这样不断向后移动，不断产生直接感受，这使人想起水面上的层层涟漪。视线在这些涟漪中游动，可以在这里和那里捕捉到些标志，例如个鼻子、两只眼睛、些梳理得很整齐的头发、条表链以及双交叉的手。但是，当视线从这点转向那点时，它会不断地感到在些表面上游来游去的乐趣，因为这些表面正以其貌相似而令人信服……看到这样的画面，就会产生想象；这种画面尽管模棱两可，却似乎是真的存在，而在这种新现实的匀称和谐生命的推动下，它会满心欢喜地作出自己的解释。”《瓶子、玻璃杯和小提琴》年—年，油画，×厘米，巴黎奥塞博物馆藏。年起，毕加索转向其“综合立体主义”风格的绘画实验。他开始以拼贴的手法进行创作。这幅题为《瓶子、玻璃杯和小提琴》的作品，清楚地显示了这种新风格。在这幅画上，我们可分辨出几个基于普通现实物象的图形：个瓶子、只玻璃杯和把小提琴。它们都是以剪贴的报纸来表现的。在这里，画家所关注的焦点，其实仍然是基本形式的问题。但是，这个问题此时却是以种全新的态度来对待。在分析立体主义的作品中，物象被缩减到其基本原素，即被分解为许多的小块面。毕加索以这些块面为构成要素，在画中组建了物象与空间的新秩序。他通过并置和连接那些笔触短促而奔放的块面，获得种明晰剔透的画面结构，反映了某种严格而理性的作画程序。而如今，在综合立体主义的作品上，他所采取的恰是正好相反的程序。他不再以现实物象为起点，将物象朝着基本原素去分解，而是以基本原素为起点，将基本的形状及块面转化为客观物象的图形。这就是说，他在表现出瓶子、杯子及提琴之前，就已经把个抽象的画面结构，组织和安排妥当了。通过对涂绘及笔触的舍弃，他甚至获得种更为客观的真实。他采用报纸、墙纸、木纹纸，以及其他类似的材料，拼贴出不同形状的块面。这些块面，方面显示着画以外的那个世界，另方面则以其有机的组合而显示出画的自身世界的统性和独立性。难怪他的画商及好友卡恩维勒会如此地评价他：“即使没有摆弄画笔的本领，他也能搞出绝佳的作品。”在这幅拼贴的画上，左边的块报纸表示只瓶子，那块印有木纹的纸，则代表着把提琴。而几根用木炭笔勾画的坚挺的线条，则使这种转换得以实现，并且将那些不相干的拼贴材料，纳入个有机的统体中。这种拼贴的艺术语言，可谓立体派绘画的主要标志。毕加索曾说：“即使从美学角度来说人们也可以偏爱立体主义。但纸粘贴才是我们发现的真正核心。”在这种拼贴语言的运用中，毕加索显然比别的立体派画家(如布拉克、格里斯等)更为大胆和富于幻想。别的画家在拼贴不同的纸片时，多少要顾及到是否符合现实逻辑的问题，他们总是把木纹纸限于表示木质的物品(如桌子、吉他)。而毕加索则全然摆脱这种约束。在他的画上，张花纹墙纸可用来表现桌面，张报纸也可剪贴成小提琴。毕加索曾在与弗朗索瓦·吉洛的交谈中，阐述了他对于拼贴的看法：“使用纸粘贴的目的是在于指出，不同的物质都可以引入构图，并且在画面上成为和自然相匹敌的现实。我们试图摆脱透视法，并且找到迷魂术(trompe L'esprit)。报纸的碎片从不用来表示报纸，我们用它来刻画只瓶子、把琴或者张面孔。我们从不根据素材的字面意义使用它，而是脱离它的习惯背景，以便在本源视觉形象和它那新的最后定义之间引起冲突。如果报纸碎片可以变成只瓶子，这就促使人们思考报纸和瓶子的好处。物品被移位，进入了个陌生的世界，个格格不人的世界。我们就是要让人思考这种离奇性，因为我们意识到我们孤独地生活在个很不使人放心的世界。”(弗朗索瓦·吉洛等《情侣笔下的毕加索》，天津人民出版社，年，第页)《格尔尼卡》《格尔尼卡》，毕加索作，年，布面油画，．×．厘米，普拉多博物馆藏。油画《格尔尼卡》，是毕加索作于年代的件具有重大影响及历史意义的杰作。此画是受西班牙共和国**的委托，为年在巴黎举行的国际博览会西班牙馆而创作。画中表现的是年德国空军疯狂轰炸西班牙小城格尔尼卡的暴行。作为个具有强烈正义感的艺术家，毕加索对于这野蛮行径表现出无比的愤慨。他仅用了几个星期便完成这幅巨作，作为对法西斯兽行的遣责和抗议。毕加索虽然热衷于前卫艺术创新，然而却并不放弃对现实的表现，他说：“我不是个超现实主义者，我从来没有脱离过现实。我总是待在现实的真实情况之中。”这或许也是他选择画《格尔尼卡》的个重要原因吧。然而他此画的对于现实的表现，却与传统现实主义的表现方法截然不同。他画中那种丰富的象征性，在普通现实主义的作品中是很难找到的。毕加索自己曾解释此画图像的象征含义，称公牛象征强暴，受伤的马象征受难的西班牙，闪亮的灯火象征光明与希望……。当然，画中也有许多现实情景的描绘。画的右边，个妇女怀抱死去的婴儿仰天哭号，她的下方是个手握鲜花与断剑张臂倒地的士兵。画的左边，个惊慌失措的男人高举双手仰天尖叫，离他不远处，那个俯身奔逃的女子是那样地仓惶，以致她的后腿似乎跟不上而远远落在了身后。这切，都是可怕的空炸中受难者的真实写照。画中的诸多图像反映了画家对于传统绘画因素的吸收。那个怀抱死去孩子的母亲图像，似乎是源自哀悼基督的圣母像传统；手持油灯的女人，使人联想起自由女神像的造型；那个高举双手仰天惊呼的形象，与戈雅画中爱国者就义的身姿不无相似之处；而那个张臂倒地的士兵形象，则似乎与意大利文艺复兴早期某些战争画中的形象，有着姻亲关系。由此可以看出，毕加索不仅是位富于叛逆精神的大胆创新者，同时也是位尊崇和精通传统的艺术家。乍看起来，这幅画在形象的组织及构图的安排上显得分随意，我们甚至会觉得它有些杂乱。这似乎与轰炸时居民散奔逃、惊恐万状的混乱气氛相致。然而，当我们细察此画，却发现在这长条形的画面空间里，所有形体与图像的安排，都是经过了精细的构思与推敲，而有着严整统的秩序。虽然诸多形象皆富于动感，可是它们的组构形式却明显流露出某种古典意味。我们看见，在画面正中央，不同的亮色图像互相交叠，构成了个等腰角形；角形的中轴，恰好将整幅长条形画面均分为两个正方形。而画面左右两端的图像又是那样地相互平衡。可以说，这种所谓金字塔式的构图，与达芬奇(最后的晚餐)的构图，有着某种相似的特质。另外，全画从左至右可分为段：第段突出显示了公牛的形象；第段强调受伤挣扎的马，其上方那盏耀眼的电灯看起来好似只惊恐、孤独的眼睛；第段，最显眼的是那个举着灯火从窗子里伸出头来的“自由女神”；而在第段，那个双臂伸向天空的惊恐的男子形象，下于就把我们的视线吸引，其绝望的姿态使人过目难忘。毕加索以这种精心组织的构图，将个个充满动感与刺激的夸张变形的形象，表现得统有序，既刻画出丰富多变的细节，又突出与强调了重点，显示出深厚的艺术功力。在这里，毕加索仍然采用了剪贴画的艺术语言。不过，画中那种剪贴的视觉效果，并不是以真正的剪贴手段来达到的，而是通过手绘的方式表现出来。那块叠着另块的“剪贴”图形，仅限于黑、白、灰色，从而有效地突出了画面的紧张与恐怖气氛。
这是幅拼图！确实，这张面庞由无数小块组成，但是这些小块的形状没有拼图游戏里面那么规则。这些小块形状很随意，也不确定它们放对地方了没有。切都很尖锐。因为她很痛。切都让她感觉很难受。画里的形状很锋利，这些形状似乎在互相撕裂。第眼我们就能明白这个女人很痛苦。她的耳朵很奇怪。她的耳环没有戴在耳垂上，而是钉在了耳廓的正中央。这样钉定很痛。这样子她应该就听不见了吧。她太痛苦了，以至于对周围的世界浑然不觉。最糟糕的是没有任何人能够安慰她，因为她听不见。她戴着顶红帽子。这是个优雅的女人。她的衣着和发型都很精致。或许她刚刚外出回来，还没有来得及摘掉帽子；或许她正准备出门。总之，她的行动突然中止了。画家通过这顶帽子告诉我们发生事情了。这当然不是这个女人的常态。她平时的生活不是这样的。她手里拿着什么？她手里拿着块手帕。她眼睛下面的尖角应该就是手帕角。即使是手帕角也很硬，也会刺痛眼睛的。她的眼睑挂着沉重的泪滴。手里的布已经被撕咬碎了，她完全不知所措。她是断裂的。她的脸因哭泣而扭曲变形了。事实上她并没有断裂，她是从内心深处感觉自己断裂了。她正在承受着巨大的痛苦。我们从画面上看到的正是她内心所感受到的：切都支离破碎，切都会带来疼痛，没有任何东西能帮助到她，甚至连手帕都擦拭不了她的泪水。为什么她的脸是这样的颜色？皮肤被打了之后就会有这样的颜色。先是淤青，然后逐渐变成紫色、绿色、黄色……她没有被打，但是她太痛苦了，感觉就像遭到了殴打。她的痛苦如此强烈，以至于她真的感觉到了身体上的疼痛。她的疼痛不是短暂的下子，不会自行消逝：她脸上的颜色表明她连续遭受到“打击”。旧伤未平，又添新伤。她的脸有部分是白色的。这是表现面色苍白最简单的办法。我们在形容个人面无血色的时候不是也会说“脸白得像纸样”吗？她如此虚弱无力，以至于血管里的血液都好像没有了……没有人的脸长成这样。确实如此。毕加索想画的并不是这个女人的外表，而是她的内心感受。我们的外表和内心之间经常会存在巨大的差异。比如我们在街上遇到个人，我们并不定能看穿他的感情、心事、快乐和痛苦。毕加索要表现的正是这种抓不住的东西。他要把人透明化……毕加索拆毁了她的脸。不是毕加索，而是痛苦。毕加索找到了能够表达她痛苦的语言。他不是为了恶作剧故意丑化模特的脸。他的行为绝对和恶毒或残忍没有关系。这是幅复杂的画。完全不是。毕加索画的东西是很直接的。就像我们每个人都使用“泣不成声 ”、“官扭曲变形 ”、“悲痛欲绝 ”等说法。我们也都清楚这些短语是什么意思。这只是种表达方式而已。毕加索将这种表达方式进行到底了：他把它们画了出来。这确实做起来很简单。但是在他之前没有人这么做过。画中的女人真的存在吗？是的。她和毕加索在起生活。她是个摄影师，名叫朵拉 · 玛尔。她因为父亲的去世而彻底崩溃了。她长得非常漂亮。可能是在她哭泣的时候，她的面容的变化使毕加索印象深刻，所以创作了这幅画。但是毕加索给它起名为“哭泣的女人 ”，这证明他画的不是幅肖像画。他是以个具体的人物为原型，创作出种类型化的脸——处在痛苦中的人脸。像破碎的镜子照出来的影像。这相似处加强了“受伤”的概念：因为镜子的碎片是非常锋利的。这里面还蕴涵着毕加索的另个想法：以前的人说绘画是对大自然的反映，认为绘画可以对可视世界进行完美的模仿。而毕加索说如果这个世界本身已经支离破碎了，那么镜子也必须是碎的。也就是说，如果想用画来表现不和谐的东西，那么这画本身也定是不和谐的。这幅画看上去很不舒服。既然痛苦不会令人感觉愉快，那么描绘痛苦的画又怎么能让人看着舒服呢？这是毕加索的画所提出来的问题之。在他之前，画家们在展现痛苦的时候都会或多或少地加以美化。即使画面很残酷，观众也能接受。因为看这种画就像看演出样，上演的总是别人的痛苦。毕加索是第个从内心出发来描绘痛苦的画家。他画里的痛苦不是我们观察得到的那种，而是我们经历过的、深切地感受过的。如果说他的画令人感觉不快，那是因为痛苦本身就是这样的。人们害怕正视的不是他的画，而是痛苦。毕加索为什么不画个哭泣的男人呢？可能只是因为朵拉 · 玛尔和他生活在起，给他当模特，所以他才画了个女人。但女人能赋予这幅作品另层含义：女人的痛苦可能含有可笑的元素。她精心打理过的妆容、衣着、发型、耳环会因为痛苦而显得微不足道或滑稽可笑。女人的哭泣会让人心软，但是只要她的妆花了，她的脸就会像小丑样滑稽。为什么要画幅别人觉得难看的画呢？毕加索并不是为了取悦别人而作画的。他是为了自己而画，他创作是因为他需要用画来表达某种东西。如果他的画能够打动别人，别人能够领会他想要传达的东西，那当然很好，但这并不是他的初衷。如果不是为了装饰间屋子，那么觉得幅画好看与否又有什么重要的意义呢？这幅画不是装饰，而是真实。毕加索拒绝伪装和欺骗。他要逼迫痛苦现形，让痛苦当众承认自己对人类犯下的恶行——它把人凿成了碎片……全文摘自《艺术原来可以这样看》（中信出版社，年月）。作者[法]弗朗索瓦芭布-高尔（Francoise Barbe-Gall），还著《如何看幅画》和《如何看幅画》。
元霸公司
